光∕墨

“我住在加州，那里的阳光有种神奇超然的质感……我甚至觉得可以触摸得到这光。它是洒下来的，连影子也如此。当我说可以感受到这光里面的物质时，就是这个意思……”

欣赏艺术家郑重宾作品所带来的体验，非笔墨所能形容的，让人即熟悉又陌生，甚至感到有些与现实对立的矛盾。黑白的色调、半透明感与水墨画这种传统媒介有关的美学，魅力永存；暗淡和光亮的颜色和质感，表现于墨的物质性，墨变成了一种当代的材质。作品本身发出的光泽，仿佛是暗淡光线下的光环；光和影在画面上变化多端，气势非凡；几何形象被赋予微妙的情感，即在界限定义内，但又在其外别出心裁；艺术家把作品视为物体来呈现和处理，宣纸裱在木框之外，让作品与它所属的空间相融合。郑重宾的作品基本上是平面形式的，发挥的不是环境的功能，但是色调变幻无穷的黑白色水墨画表面上的触感，于不透明性和闪烁发亮状之间来回波动，不但能深深吸引观众的目光，同时又能延伸，甚至剪裁周边以外的环境，让观者在对象和环境感知之间观察游走。对我来说，这是一种非常个人的发现之旅。就如在2012年8月9日当天，即强大台风海葵袭击上海的翌日，在断电的上海郑重宾工作室看到了他的作品，光似乎从画面中走出来，在幽暗中散发着微光，思绪像洪水一样涌出，让人深深的感动。

这次在北京的展览，呈现了过去两年间郑重宾的创作理念及其变化，对艺术家来说，意义重大。1958年由前苏联和东德援建的无线电工厂现为郑重宾个展的展示空间—亚洲艺术中心。包豪斯式的建筑空间与布局十分独特，郑重宾的创作灵感何尝不是对它的一种回应。画廊的空间庞大，挑高七米，自然光线会从屋顶东西两侧的窗户照射进来。画家直接介入画廊空间，把画廊墙壁当成庞大的画布进行整合，个别或成组的作品在墙壁这大背景下拥有特定的方位。为了让观者更能领悟水墨媒介所包涵的“表面性”和“物质性”概念，北京展览将呈献艺术家视觉语言系统中的所有三个同时并行的创作系列，即建筑系列(2009、 2010- )、几何系列 (2011 – )和变体系列 (2012 – )。运用多种语言体系的艺术家郑重宾会根据现场情况，选择相关的视觉语言作出反应。

展览试图阐述郑重宾那种游刃于光与墨之间的状态—毕竟中国水墨这种传统媒材与曾在中国杭州受训的艺术家文化背景息息相关，而他在定居地美国加州旧金山接触的则是光之物质性。我们不禁要问：艺术家为什么选择墨和光？ 六十年代出生上海的郑重宾，12岁开始学习书法，后来进入著名的杭州浙江美术学院（现为中国美术学院）国画系学习传统水墨画，专攻人物画像。离开中国之前，郑重宾的艺术创作充满反传统意味，致力于要摆脱水墨画传统的语言模式，让他投入的是对多重形态的变异和在水墨材质语言上的拓展。进而扩展当代水墨语汇量和它的表达强度。到了美国后，郑重宾停止了使用水墨为媒介，转而在旧金山艺术学院学习概念艺术、表演艺术、装置艺术。他对于加州阳光的体察，并受到加州光与空间运动艺术家如詹姆士‧特勒尔（James Turrell ，B1943〕、罗伯特‧欧文（Robert Irwin，B1928〕和道格‧惠勒（Doug Wheeler，B1939〕的影响。这些艺术家对艺术本体语言和感知现象十分投入，包括光、体积和比例的视觉转化，在空间中的拨动以及采用透明、半透明或反光材料加强观者对光的感受和体验。郑重宾关注到上述领域，其艺术创作因此呈现出绘画语言上的多元化，从水墨自身特性到概念引伸，从传统到当代，可谓广泛多样。

郑重宾后来决定回到绘画创作上，因为他认为在横贯中西的感知性艺术系统里面的异与同存在着潜能。这与马列维奇和石涛的作品有着异曲同工之妙—马列维奇的作品摆脱了绘画的规范，“走了出来，并改变空间和感知” 进而使随后者对于绘画的再思考。清初山水画家兼诗人石涛(1642-1707)的作品，则出现自由进入或走出画面的线条和点击，他的用笔暗示着行为延伸至画面以外的形态结构。郑重宾从中西艺术体系上的比较，认识到“视觉角度的重要，而且关键是在于发现艺术而非创造艺术。”他关心的不是技术性视角，而是有关绘画的语系问题。对画家来说，回到水墨画创作以及他所熟悉的媒材—墨是再自然不过的决定。郑重宾受之于墨作为材质以这种物质特性和相关的透明性，不透明性，渗透性、可触感，体积，容量甚至于重力所吸引。他也在水墨画的文化属性中看到以这种媒介作为题材的潜能。郑重宾独特的混合式视觉语言，是他的个人体验和游刃于光和墨之间的产物—这一光之物质性源自加州，而他对墨这种媒介的理解，更为我们展现了他对身处于两大陆之间的文化二元性思考的范例。

公共收藏：英国大英博物馆，美国旧金山亚洲艺术博物馆，德国戴姆勒艺术收藏，新加坡金沙集团